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El Rapto en el Serrallo de Mozart. Parte 3 Preparación para Mozart

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Por: Johana Trujillo Gómez

Más allá de una bella voz y una excelente técnica vocal, el cantante lírico debe aportar a su arte elementos interpretativos que transmitan al público sensaciones y reacciones sobre lo que está cantando. Para ello es necesario incluir en su formación y en la preparación de su repertorio, elementos de actuación, dominio del escenario y, en los casos en los que se interpreta repertorio en idiomas distintos al propio, una excelente dicción y fonética de los mismos.

Con Mozart es la cima del canto,

es lo más frágil y transparente,

te muestra como un espejo,

lo que funciona en tu voz

y lo que no, puedes escuchar todo.

Es, de una manera, un poco estricto

porque tienes que seguir los tiempos

muy bien, olvidarte de cantar con

portamenti y cantar lo más limpio

y bello posible, aunado a todos

los requerimientos técnicos,

grandes saltos y todo mundo puede

escuchar si te equivocas.

Mozart pide de ti control absoluto,

pero debes tener también la cualidad

de hacer que parezca fácil y hacerlo

sonar como si no te costara nada de trabajo.

Diana Damrau

Características de la Interpretación vocal Mozartiana.

Términos como línea, fraseo, frases largas, virtuosismo, su música tonal cuyas líneas melódicas conducen la armonía perfectamente.

El uso del texto como parte fundamental de su música, la forma en la que usa motivos llamativos que son agradables al oído, es decir, son motivos que quedan y que son por así decirlo «tarareables». La delicadeza de su música, la interpretación que se debe hacer con elementos técnicos bastante completos

La burla que hace a la sociedad por medio de su música, sin perder en ningún momento su elegancia, la genialidad de como con los recursos estéticos, armónicos y estilísticos del momento, crea atmosferas, motivos, estados de ánimo, etc.

No hay que olvidar que la música de Mozart es clara, de líneas exactas y precisas. Con otros compositores o estilos está permitido hacer rubato en la línea melódica y que el vibrato sea amplio, a veces esto permite ocultar errores de afinación o imprecisiones, pero en Mozart éstos son lujos imposibles, pues el excesivo vibrato oculta la afinación, y choca con la armonía que aparenta ser sencilla. La propia sencillez de la música la hace mucho más estricta que a Verdi o Bellini

La mayoría de procesos vocales y musicales se inician con Mozart debido a la precisión y exactitud, el error queda al descubierto, al desnudo.

El nivel de exigencia aumenta si tenemos en cuenta q es música pensada vocalmente, es decir, puedes escuchar la sinfonía 40 y aun así imaginar un coro cantándolo pero no puedes hacer lo mismo con Beethoven (si piensas incluso en los coros de novena sinfonía no son muy vocales que digamos, son muy incómodos para todas las voces).se hace más difícil el hecho de q debemos encontrar una línea melódica sin q se escuchen portamentos entre las notas, pues esto desajusta en cierto grado el ritmo y la armonía.

Calentamiento para Mozart

Para muchas cantantes, y al referirme a Mozart lo asocian con ligereza, creo que esta palabra me despejo algo que siempre me he cuestionado, con Mozart la idea siempre es dosificar esfuerzos, voz, aire, resistencia, la referencia de ligereza me aporta la posibilidad de llegar hasta la última frase con la misma energía con la que empecé, muchas veces al empezar a cantar, ponía pesada la voz y esto hacia que para la mitad de la obra estuviera muy cansada.

Todo el tiempo el cuerpo tiene que estar en completa relajación y dejar que la columna de aire que mantiene el sonido este todo el tiempo estable pero liviana.

Para otros el calentamiento es el mismo que se debe hacer para cantar cualquier obra eso sí, sin dejar de entender que el estilo de Mozart no es el mismo que cantar Puccini o Verdi, el cuerpo tiene que estar listo para funcionar de forma más «Inteligente”.

La mejor manera de conocer un compositor y la esencia de su obra es empezar por toda la parte histórica y el contexto social en la que los personajes cobran vida.

Es importante tener en cuenta cada elemento musical en la formación de un músico profesional, la interpretación hace parte de la capacidad del ser humano de sentir la música, y como analogía el ejemplo del barco que es movido según la intensidad de las aguas, así de esta forma el mayor trabajo es aprender a “navegar”.

La música está al servicio de las emociones, y el cantante al servicio de la música, al servicio del compositor; que a través de un personaje muestra la naturaleza humana.

Conclusión

Hemos visto que a la hora de encarar la preparación de un papel o de un aria en general hay mucho más que los aspectos musicales tradicionalmente conocidos, como el solfeo, la armonía, el ritmo y demás, sino que en esta profesión, hay que incluir aspectos físicos e intelectuales más allá de la música misma, como los descritos en la primera parte de este ensayo.

Al haber incorporado estos aspectos, además de la técnica, por supuesto, podremos desenvolvernos con mayor soltura sobre el escenario, porque ya serán parte de nuestra rutina y no tendremos que pensar en cada aspecto, sino concentrarnos en lo que el regisseur pida de nosotros a la hora de actuar y movernos e interactuar con los demás cantantes, el coro y el público.

Esto aplica tanto para pequeños recitales, como para operas de 2 o 3 horas de duración, es todo un ejercicio de resistencia para el cual nuestra voz, nuestro cuerpo y nuestra mente, deben estar preparados.

Es justamente no limitarme a lo musical, sino ir más allá para brindarle al público un espectáculo completo, que no solo escuchen una soprano, sino que a través de la voz los lograr tocar e involucrar en lo que se canta. Y eso solo lo puedo lograr con una preparación adecuada, vocal, intelectual, física y mental.

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